Cando fixen o calendario do Festival, a primeira película que elixín foi Parthenope. Sen saber de que se trataba, antes de ler a sinopsis, sabía que tiña que vela, porque era do director Paolo Sorrentino. O meu compañeiro e amigo de piso sempre me di que son un “emocionado” con ese director, e ten razón, pero todas as súas películas que vin parécenme obras mestras. Youth (Mocidade) e A grande bellezza (Beleza suprema) son sobre todo, na miña opinión, obras de distinto nivel. Parthenope tamén é unha película totalmente pegada ao estilo do director; si gustáronche os outros, gustarache isto tamén.

A película mostra a vida de Parthenope (Celeste Dalla Porta) ata que nace en 1950 e faise maior. Con todo, como adoita ser habitual nos traballos do director, en lugar da importancia da historia, eu expuxen a película como unha disertación sobre temas máis xerais. Sobre todo, Parthenope fala da beleza: da beleza do ser humano, porque o protagonista se nos presenta como a muller máis bela de todos os tempos, e analízase o efecto que iso produce na súa contorna. Doutra banda, o resto de temas refírense a Nápoles (Parthenope na súa orixe), a relixión, a riqueza e a pobreza, a conduta do home e moitos máis.

Gustaríame destacar dúas ideas sobre o traballo. En primeiro lugar, ás veces paréceme que se centra demasiado na sexualización da muller e chega a ser incómoda. É moi difícil facer unha análise correcto e sincero da mirada masculina, e teño moitas dúbidas de que ás veces non pasa a liña: da análise ao fetichismo. En segundo lugar, gustaríame sinalar o inmenso poder de Sorrentino para facer crer ao espectador nos absolutos: Os trucos cinematográficos que utiliza para demostrar que Parthenope é a muller máis bela do mundo non só din que é fermosa, senón que fan crer que é a máis bela do mundo, aínda que iso non existe na realidade, claro. A mención do absoluto adoita ser moi habitual nas películas do director, por exemplo , A grande bellezza xa escribiu o mellor libro da súa vida, e non é capaz de buscar inspiración nin superar o medo ao éxito anterior.

É unha película esteticamente excelente, e moi adiantada nas conversacións. É máis, diría que non fun capaz de entender a intención de gran parte da película e, tras saír da película, deixoume unha sensación moi rara, como sempre me pasa. Máis que un artigo, necesitaría unha longa entrevista con algún amigo que vexa a película para ordenar e dar forma ás ideas: aí está a invitación, se alguén se anima. Pero esa sensación inexplicable ha volto a aparecer aí, e por iso é a película máis querida de todas as que vin até agora.

Frío inverno: persoal e modesto

Na sesión da tarde, no Kursaal vimos a Hiver à Sokcho (Negua Sokchon) nun deses programas tan especiais xunto ao director e o grupo. Trátase dunha adaptación do libro homónimo, a primeira longametraxe da directora Koya Kamura. Despois de acougar un pouco as fortes emocións xeradas pola película da mañá, veume moi ben esta película, máis tranquila e máis sinxela.

Soo-Ha (Bela Kim) é unha moza de 25 anos que vive en Sokchon, Corea do Sur, e que nunca coñeceu ao seu pai porque era unha pescadora francesa. Durante unha viaxe de traballo coñeceu á súa nai e deixouna embarazada sen sabelo. Despois regresou a Francia, onde non se soubo nada máis. Soo-H traballa nun pequeno hostal, como cociñeiro e camareiro, e de súpeto chega un turista francés. En busca de inspiración chega a Sokchora o cómico e pintor Yan Kerrand (Roschdy Zem), e Soo-Ha, que sabe francés, ensinaralle a cidade no frío inverno. Os espectadores vimos a relación entre ambos e será importante o paralelismo entre Yan Kerrand e Soo-Bere, o pai perdido.

Como xa dixemos, esta película non é unha desas que se dedica á ostentación. É unha produción máis pequena, que mostra o cadro dunha vida cotiá, con circunstancias máis comúns. A relación entre Soo-Ha e a súa parella, ou coa súa nai, entre outras cousas. Pero nesa simplicidad trabállanse temas serios como o abandono, a soidade, a presión social e os trastornos da alimentación... Ademais, nalgúns momentos, animacións moi fermosas feitas a man axudan a contar os aspectos máis abstractos da historia, xunto a unha boa música.

Non me pareceu unha película incrible, pero si bonita e íntima. Esa sensación acentuouse, ademais, na conversación post-película, cando a protagonista Bela Kim e o director Koya Kamura falaron do proxecto, ao explicar conexións máis persoais, como a dobre nacionalidade ou a experiencia cos trastornos da alimentación.